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La película Pinocchio de Guillermo del Toro co-dirigida por Mark Gustafson (2022), es una adaptación en stop-motion del clásico cuento de Carlo Collodi publicado en 1883.

La cinta, ha sido la ganadora del Oscar a Mejor Película Animada en la ceremonia del pasado 12 de marzo de 2023 y marcaría el tercer Oscar que el cineasta mexicano obtiene en su carrera, después de La forma del agua y El laberinto del fauno.

Por lo tanto, es una película que tiene mucho que ofrecer desde el aspecto creativo y artístico, ya que es la primera incursión de Guillermo del Toro en la dirección de una cinta animada en stop-motion.

La película respeta el argumento y el tono del libro original, que es mucho más oscuro y violento que otras versiones más conocidas, como la de Disney de 1940. La película también introduce algunos cambios y elementos propios del universo creativo de Guillermo del Toro, que es un gran admirador de los cuentos de hadas y los monstruos.

“Haré lo mejor, y es lo mejor que uno puede hacer” - Sebastián J. Grillo.

Por ello, algo que nos ha llamado mucho la atención en Exiles from Jupiter, son las similitudes y diferencias entre el personaje de Pinocchio y otro monstruo literario muy famoso: el creado por Victor Frankenstein en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), escrita por Mary Shelley.

¿No lo habías notado? Continúa leyendo para descubrirlas.

Destinados desde la raíz…

La primera y quizá más evidente, es que ambos personajes son seres artificiales que se cuestionan su origen y su destino, mientras se enfrentan a un mundo hostil y cruel que los rechaza y los explota. Ambos personajes también tienen una relación compleja con sus creadores, que los aman o los odian según las circunstancias.

Sin embargo, hay también diferencias importantes entre Pinocchio y Frankenstein. Una de ellas es el motivo por el que sus creadores los fabrican; Geppetto, el padre de Pinocchio, es un carpintero antifascista que vive en la Italia de Mussolini y no busca crear vida artificialmente por orgullo o ambición científica, sino por soledad y afecto paternal. Como una manera de lidiar con su propia depresión.

Victor Frankenstein, en cambio, es un científico ambicioso que vive en la Europa ilustrada. Él crea a su criatura porque quiere desafiar las leyes de la naturaleza y dar vida a la materia inerte, lo que lo vuelve un padre egoísta e irresponsable.

Árbol que nace torcido…

Otra diferencia es el carácter y el comportamiento de los dos personajes. Pinocchio de Guillermo del Toro es un niño inocente y curioso que se deja llevar por sus impulsos y deseos. Él comete muchos errores y sufre muchas desgracias, pero también aprende de ellos y se arrepiente de sus malas acciones. Su sueño es convertirse en un niño humano para poder ser aceptado por su padre y por la sociedad.

Él sólo es un un muñeco de madera que quiere entender qué es ser humano, pero que se encuentra con un mundo cruel y despiadado que lo rechaza y lo explota, pero que en contraste con Frankenstein, no es una criatura violenta o vengativa, sino un niño ingenuo y travieso que aprende de sus errores.

Inspiración.

Son notables las influencias y referencias visuales de otros artistas o películas, como el pintor Giorgio De Chirico; el cineasta Federico Fellini o el animador Ladislas Starevich.

Frankenstein, por otro lado, es una criatura adulta e inteligente que se siente abandonada y traicionada por su creador. Él busca el amor y la comprensión de los humanos, pero solo encuentra odio y violencia. Su venganza contra Frankenstein lo lleva a cometer crímenes atroces e irreparables.

El otoño de los personajes.

Una última diferencia es el final de sus historias. Pinocchio logra cumplir su sueño gracias a su bondad y a su sacrificio. Él salva a su padre del Monstruo Marino y (spoiler alert), muere ahogado en sus brazos. Sin embargo, el Hada Azul al escuchar un convincente monólogo de Sebastian J. Grillo, lo resucita al ver su nobleza de corazón.

Un viejo clásico.

El uso de la animación en stop-motion, que le da un aspecto artesanal y nostálgico a la película, y que requiere de un gran trabajo de detalle y precisión.

Frankenstein no consigue ningún consuelo ni redención al final de su historia. Él, (¿spoiler alert?) mata a Frankenstein después de haber asesinado a todos sus seres queridos (su hermano menor William; su mejor amigo Henry Clerval; su prometida Elizabeth Lavenza). Luego se pierde en las heladas regiones polares donde muere solo e infeliz.

Carpintería narrativa…

Es imposible no notar que Guillermo del Toro tiene una fascinación por los monstruos y los seres marginados que no encajan en la sociedad. En muchas de sus películas, como El laberinto del fauno, La forma del agua o Hellboy, los monstruos son los protagonistas o los aliados de los protagonistas, y los humanos son los villanos o los indiferentes.

Música para los oídos.

La música, que combina canciones originales con clásicos italianos de los años 30, y que refleja el tono oscuro y humorístico de la película.

Sin lugar a dudas, Pinocchio de Guillermo del Toro, es una obra maestra de la animación y una adaptación única y muy original del cuento de Collodi. El estilo visual y sonoro de la película, y que a través de la técnica de stop motion, logra crear un contraste entre lo bello y lo grotesco, lo tierno y lo cruel, lo mágico y lo real, con una estética artesanal y expresiva.

En conclusión, Pinocchio y Frankenstein son dos monstruos con corazón que nos hacen reflexionar sobre lo que significa ser humano o inhumano; sobre el amor o el odio; sobre la vida o la muerte; sobre la creación o la destrucción; sobre la inocencia o la culpa; sobre la libertad o el destino.

Fiel al libro de Collodi, pero con el toque personal que caracteriza a la obra de Del Toro, Pinoccio es una película con un mensaje muy humano y conmovedor sobre el valor de la vida, el amor y la libertad y que nos hace llenarnos de orgullo por el talento y creatividad que yace en los artistas mexicanos.

¿A ti, qué te ha parecido Pinocchio de Guillermo del Toro?, ¿Fue merecido su Oscar? Cuéntenos en los comentarios.

¡Saludos!

Uno de los objetivos en mi carrera, es el continuar aprendiendo nuevas cosas, especialmente aquellas que me ayuden a complementar los conocimientos que ya poseo. Mi experiencia como diseñador ha estado orientada siempre hacia la ilustración, por lo que aprender a animar se sintió como un paso natural.

Sin embargo, pronto descubriría que la animación es un área muy amplia de todo el espectro de producción audiovisual. En ese sentido, puede ir desde un sencillo motion graphics para dar a conocer un producto; hasta la generación de contenidos realistas para grandes producciones de cine.

“La animación puede explicar cualquier cosa que la mente del hombre pueda concebir. Lo que la convierte en el medio de comunicación más versátil, diseñado para una rápida apreciación” - Walt Disney<br />

Por mi parte, he orientado esta parte de mi carrera a la integración de la ilustración y la animación, como una herramienta para contar historias y sintetizar información. Sin embargo, los mejores resultados se obtienen con arduas horas de trabajo.

Y aún en ese nivel práctico, a veces los complementos ya incluidos en After Effects no son suficientes para obtener algunos efectos o resultados. Por suerte, existen muchísimos recursos disponibles que son de gran utilidad como los plugins, que permiten añadir nuevas funciones.

Es por ello, que en ésta entra del Blog, quisiera compartir algunos Plugins y Complementos de Adobe After Effects, que he encontrado muy útiles al momento de generar contenidos animados, ya sea porque te permiten optimizar tu trabajo, ahorrar tiempo u obtener resultados increíbles.

Al momento de animar, resulta relativamente “sencillo” modificar algunas escenas, ya sea corrigiendo el color o utilizando un green screen para hacer un montaje. Pero… ¿cómo integrar con naturalidad los elementos?

Trapcode Particular es un complemento que permite generar un sistema de partículas en After Effects tales como humo, lluvia, nubes o polvo, todo con un alto grado de realismo, que hará lucir a cualquier escena espectacular.

Es cierto que “Plexus” es de esos complementos que se vuelven sinónimo del aspecto que generan. Pero la realidad es que, con cierta pericia es capaz de generar mucho más que simples texturas de puntos y líneas.

Plexus es un plugin desarrollado por Rowbyte Software, el cual permite importar modelos 3D para utilizar sus capas, ya sea como contenedores o como formas. Sin lugar a dudas un gran efecto con un resultado espectacular.

¡Ya se, ya se! los más puristas se burlaran de la idea de utilizar gráficos prefabricadas, pero lo cierto es que pueden ser un gran ahorro de tiempo. Además la gran mayoría de estos complementos contienen elementos fácilmente editables, por lo que su personalización es infinita.

Actualmente, existen muchísimos en el mercado, pero personalmente recomiendo el script de Shapes Titles Creator, el cual permite generar una gran variedad de partículas, formas, títulos, lower thirds y efectos 2D que enriquecerán cualquier motion graphics.

Como ya hemos dicho, el tiempo es un factor crucial que determina la calidad de un proyecto e incluso su presupuesto. Por ello, lograr automatizar determinadas operaciones que normalmente realizaríamos a mano, en una gran ventaja.

Esa es la gran virtud de True Comp Duplicator, el cual permite duplicar jerarquías de composiciones en diversos niveles de profundidad. Por lo que repetir secuencias de animaciones ya no volverá a ser un problema.

Si estás familiarizado con la animación, ya sabrás que el manejo de la Cinemática Inversa (de la cual hablaremos en futuras entradas) es fundamental para que cualquier personaje tenga movimientos naturales.

Y aunque After Effects cuenta con un buen sistema de rigging, Duik lo lleva a un nivel completamente nuevo, al crear complejos rigs que simulan músculos o huesos. Además ¡es gratuito!. Definitivamente mi favorito entre esta lista de complementos.

Complementos para hacer las cosas más fáciles

Adobe After Effects es una herramienta fundamental para muchos artistas y animadores, gracias a su versatilidad y posicionamiento en la industria. Por ello, los complementos adecuados pueden agregar nuevas funcionalidades u optimizar el flujo de trabajo.

Cada vez más, las marcas requieren de animaciones avanzadas para dar a conocer sus productos. Por lo que la versatilidad y el storytelling, se están convirtiendo en la columna vertebral de la animación en la industria. En Galahad Studio somos profesionales en la creación de contenidos animados, ideales para redes sociales y startups. Deja de gastar en flyers o anuncios costosos para llegar a cientos; Con nuestro servicio de Animación y Motion Graphics te ayudamos a que te vean miles. ¡Contáctanos!

Por supuesto que hay muchos plugins y complementos para elegir en el mercado. Si tienes algúno  favorito que no esté en esta lista, lo puedes dejar en lo comentarios para compartirlo con la comunidad. Del mismo modo, te invitamos a leer nuestra publicación análoga sobre Plugins para Illustrator.

¿Conocen otros plugins útiles?, ¿Que otros recursos utilizan en sus proyectos?

No olviden dejar sus comentarios.

¡Saludos!

Ante la caída en desuso de Flash y el auge del Material Design, se han buscado alternativas para dotar a los sitios web de cierto dinamismo para contrarrestar su natural apariencia “plana”.

``Un diseñador sabe que ha alcanzado la perfección no cuando no le queda nada por agregar, sino cuando ya no le queda nada por añadir``- Antoine de Saint-Exupéry

Una de estas alternativas es optar por generar efectos y animaciones en JQuery, siendo el Efecto Parallax (en español paralaje), una tendencia cada vez más extendida en el mundo del diseño web y la animación.

Seguro que lo has visto miles de veces al entrar una web, hacer scroll y notar que el fondo parece moverse a una velocidad distinta que el contenido, creando un ligero efecto de profundidad y dejando ver partes que antes no veías.

Y aunque parezca una tendencia muy actual, el Efecto Parallax es en realidad un truco con mucha historia. Por eso, en esta ocasión, haremos un reboot de nuestra anterior entrada y explicaremos más a fondo que es el parallax y cómo se utiliza en el Diseño.

El  moderno (pero común)  Efecto Parallax

El Parallax es un principio de diseño propio de la animación, que juega con la percepción humana,a fin de crear una ilusión de profundidad espacial con medios de representación bidimensionales. Para entenderlo mejor, hablaremos primero de sus orígenes.

La paralaje (del griego parállaxis para cambio, diferencia) define a un fenómeno de la percepción por el cual la posición de un objeto en el campo visual cambia en relación con el punto desde donde se observa.

Esto puede ejemplificarse si levantamos el pulgar a la altura del rostro, mientras abrimos y cerramos alternativamente el ojo derecho y el izquierdo. Notaremos que, mientras que el fondo permanece estático, nuestro pulgar aparentemente cambia de posición gracias a la distancia de nuestros ojos. ¿Sencillo no?

Visión estereoscópica

Si se observa el punto amarillo con el ojo izquierdo (posición A) parece que se encuentre sobre un fondo azul, pero si se observa con el ojo derecho (posición B), aparece sobre el fondo rojo.

Y aunque el Efecto Parallax apenas se aprecia en nuestro día a día, constituye uno de los fundamentos de la percepción espacial. De esta manera, los reflejos lumínicos de objetos cercanos se mueven más rápido en la retina que los de objetos a una cierta distancia, generando una ilusión de profundidad inducida por el movimiento.

Animando ratones y patrullando la luna

Como mencionamos en la introducción, el Efecto Parallax es en realidad un truco muy antiguo, inventado por Walt Disney para dotar a sus películas de una ligera tridimensionalidad, intentando lograr con ello un mayor realismo.

El invento en sí, se llama “cámara multiplano”, ya que la superposición de planos para generar profundidad genera el Efecto Parallax. Les comparto un video que muestra el funcionamiento de la cámara multiplano de Disney.

Posteriormente, los programadores de videojuegos de los 80´s importaron este concepto con el fin de crear la ilusión de tridimensionalidad con medios bidimensionales. Juegos clásicos del tipo Jump’n’Run o Shoot’em up como Super Mario, Moon Patrol o Jungle Hunt, son un gran ejemplo de este efecto en acción:

Ideal para Storytelling y Diseño Web

Si bien desde finales de la década de los 2000 se utiliza el Efecto Parallax en el diseño web, no sería hasta que la página de Nike nikebetterworld.com (offline) causara un enorme impacto medial en 2011.

Sentando así, un precedente para la tendencia en diseño web que utiliza el Efecto Parallax para crear una impresión de profundidad en un medio bidimensional como es la web.

Sin embargo y aunque el Efecto Parallax es más que interesante para aportar valor al tedioso scroll y sorprender al usuario con algo que no se espera, no es conveniente usarlo por el simple hecho de seguir la tendencia. La presencia de este tipo de efectos puede ser tan sorprendente como cansina, para los usuarios.

Lo ideal es aprovechar este recurso como complemento narrativo. Esta posibilidad de storytelling del Parallax, lo vuelve perfecto para landing pages, o webs que intenten sumergir al usuario en una historia, causando una experiencia comunicativa mucho más divertida y cercana a otros medios como los videojuegos o los cómics.

Ejemplos destacables

El Efecto Parallax polariza las opiniones. Mientras que muchos usuarios aprecian el diseño con este tipo de efectos producidos por el movimiento, otros ya están cansados de un medio ya no tan moderno, sobre todo si se utiliza con el único fin de exhibirse sin un concepto que lo justifique.

¿Cuándo enriquece el Efecto Parallax a una web? Esto depende sobre todo de lo que se quiere conseguir con el proyecto y del público. Lo que no podemos negar es que ha demostrado ser un medio ideal para contar historias, por ello aquí te compartimos una recopilación de páginas con Parallax que seguro que terminan de convencerte, si aún tenías dudas, de lo increíble de este efecto.

The Hybrid Graphic Novel

Un proyecto con luz propia es la página de lanzamiento del Peugeot Hybrid4 que, camuflada como una novela gráfica de acción, presenta las características más importantes del vehiculo. Tan increíble, que incluso el proyecto fue galardonado por la página The FWA como FWA of the day.

Why your Brain Craves Infographics

Con un estilo visual retro de libro educativo, el sitio muestra algunos datos del porque las infografías son una buena forma de acercarse con la gente y comunicar ideas, a través de algunos datos sobre psicología y marketing. Un gran ejemplo de cómo se pueden volver una serie de datos ``duros`` más digeribles.

Firewatch

Utilizar el parallax scrolling cómo eyecatcher al inicio de una página también está justificado, pues si se hace bien este instrumento tiene una enorme capacidad para enganchar al usuario e interesarlo por el contenido que viene a continuación. Un ejemplo clásico lo encontramos en la página web para el videojuego Firewatch de Campo Santo.

Perspectiva que cambia la forma de ver

Aunque en principio atractivo, las páginas scroller con Efecto Parallax, encierran un innegable potencial para mejorar el storytelling de una marca, pero también ha provocado su uso masivo (y desmedido) desde 2011.

A final de cuentas, los efectos de paralaje o cualquier otro tipo de animaciones, deben de utlizarse cuando ayudan a mejorar la experiencia del usuario, destacar contenido, productos, servicios o animar al call to action. Va en ese sentido, muy de la mano de los principios del material design del cual ya hemos hablado en este blog.

Sin embargo es innegable el atractivo que genera el Efecto Parallax , pues ayuda a modificar la perspectiva que tienen las personas sobre lo que es un sitio web y cambia su forma de ver a una marca o producto. Y tú, ¿te animas a dar profundidad a tu web? Ya sea con una tienda en línea, landing page o blog, con nuestro servicio de Diseño Webolvídate de perder oportunidades y comienza a conectarte con todo el mundo. ¡Conócenos!

¿Ustedes conocen más ejemplo para compartir con nosotros?, ¿Les gustaría que habláramos de algunas formas de añadir este y otros efectos a sus páginas?

No olviden dejar sus comentarios.

¡Saludos!

A lo largo de mi experiencia como diseñador, me he enfrentado con la necesidad de estar en constante práctica y evolución de mis habilidades y conocimientos.

Y sin lugar a dudas, puedo decir que aprender a animar ha sido uno de los mejores skills que he tenido la oportunidad de aprender, pues es de todos conocido, la capacidad que tienen las animaciones/videos para contar historias y conectar con las personas.

“Piensa, Sueña, Cree y Atrévete” - Walt Disney

Incluso, desde el punto de vista artístico, la necesidad de romper barreras y aprender nuevas técnicas va desde el dominio de la ilustración tradicional y digital, a su eventual evolución en movimiento. Y para muestra les comparto uno de los primeros proyectos que realizamos en Galahad Studio como animación en este enlace.

En este sentido, esta evolución podría continuar hacia la realización de ilustración y animación 3D. Sin embargo, aprender todas las áreas de 3D requiere mucho tiempo y dedicación. Pero…¿y si hubiera una manera de generar un fake 3D animado?. Pues en esta entrada del blog, quiero compartirles algunos tutoriales y plugins, que vuelven esta idea una realidad.

Espera un segundo…

Antes que nada, es importante entender que la “tridimensionalidad” en un medio bidimensional, no es otra cosa que un juego de luces, sombras y perspectiva.

En este sentido, fuera de la Realidad, todo lo que vemos en televisión, cine, revistas, libros, etc. que genera un efecto tridimensional, no es otra cosa que una ilusión óptica, que provoca que nuestro cerebro interprete esas imágenes en diferentes planos. Generando así, la idea de una falsa “tridimensionalidad”.

Y aunque suene un poco complicado, en realidad es una técnica que se ha usado desde hace mucho tiempo. Apuesto incluso, a que no sabías que fue el propio Disney quien generó la primer tecnología que buscaba generar profundidad en las animaciones. El invento en sí, se llama “cámara multiplano” y a la superposición de planos para generar profundidad se le llama paralaje o efecto parallax, del cual por cierto ya hemos escrito una entrada.

Antes de seguir con lo que nos interesa de generar un efecto de fake 3D, les comparto un video que muestra el funcionamiento de la cámara multiplano de Disney y el parallax:

Parallax + Rigging

Hasta este punto y habiendo entendido y dominado el principio del parallax, ya podríamos desarrollar animaciones tridimensionales, donde el escenario jugaría un lugar vital en este proceso, pero… ¿qué pasaría con nuestros personajes?

El efecto de parallax funciona increíble al usarlo sobre fondos, simplemente porque la distancia entre los objetos (digamos el sol, el cielo, unas montañas y nuestro primer plano), es notoria. Pero no es así con un personaje, pues sus elementos (nariz, ojos, cabeza, etc.) no están posicionados (normalmente) a grandes distancias uno de otro.

En ese caso, necesitaríamos realizar un Rigging de nuestros personajes. Aunque su origen está en la animación 3D, ya es muy común hablar de ello en animación 2D. Al final justo lo que buscamos es lograr un  efecto de fake 3D.

El rigging, es el proceso de creación de un sistema de controles digitales y su posterior adición a un modelo 3D, para que así, pueda ser animado fácil y eficientemente. Dicho en pocas palabras, es la creación de una marioneta digital.

Y es justo esta marioneta y una sutil animación, lo que nos permitiría generar un efecto de fake 3D en las expresiones y movimientos de nuestros personajes, como podemos ver en el siguiente video:

¿Notas como un personaje 2D adquiere una dimensión completamente nueva al ser animado de esta manera?

¿Y… ahora?

Es verdad, hacer el rigging y parallax en una animación, puede volverse un trabajo tedioso, aunque sea fundamental para la creación de nuestro efecto de fake 3d.

Por ello, quiero hablarles de un par de formas de realizar todo el proceso de una manera más sencilla, mediante plugins. En esta ocasión, vamos a recomendar dos, Joysticks ‘n Sliders y Duik, ambos disponibles en After Effects y compatibles entre sí.

Rigging = Duik

Duik es toda la caja de pandora de la animación y el rigging en Adobe After Effects.

Proporciona las herramientas de rigging principales que se encuentran en cualquier software de 3D, como IK, controladores y bones, pero los adapta a la animación 2D en After Effects.

Desarrollado por equipo de RAINBOX, Duik permite manipular personajes complejos y usar técnicas avanzadas de animación. Altamente recomendado.

Fake 3D = Joysticks ‘n Sliders

Joysticks ‘n Sliders es un sistema de rigging basado en posturas para After Effects, con aplicaciones ilimitadas.

Es es una herramienta imprescindible para cualquier persona que haga animación de personajes en After Effects. y aunque no es exactamente único en el mercado, su gran diferenciador, es que permite animar poses y controles para los movimientos intermedios. Logrando un gran dinamismo y naturalidad en los movimientos.

Desarrollado por Mike Overback, es una herramienta clave para la animación facial, la rotación de la cabeza y el rigging de posturas.

Y esto sólo es el principio

Como siempre, hay muchísimo que decir acerca de estas herramientas. Pues su propia naturaleza genera posibilidades infinitas.

Ya se que se utilicen keyframes o plugins para generar animaciones, generar un fake 3D en una animación motion graphic, se vuelve la posibilidad de llevar la ilustración 2D a un nuevo nivel. Y si a esto le sumamos el uso de parallax, la espectacularidad estaría llamando a la puerta.

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¿Conoces otras técnicas para desarrollar animación?, ¿Te gustaría que habláramos de ellas en futuras entradas?

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¡Saludos!

El color en nuestras vidas es muy importante, pues nos ayuda a advertir situaciones a nuestro alrededor, desde identificar las estaciones por el color de las hojas, como notar el “alto” en un semáforo.

Sin embargo, también en un nivel psicológico nos ayuda a transmitir sensaciones y emociones. Nos hace rememorar sucesos o potenciar emociones como la felicidad o la nostalgia.

“Es curioso que los colores del mundo real solo parecen verdaderos cuando los vemos en una pantalla.” - Alex DeLarge

Este poder comunicativo no ha pasado desapercibido en el diseño, en áreas como la moda o la publicidad, pero también en el cine, pues a través del uso de esquemas de color, los cineastas refuerzan o crean un sentimiento en las escenas de sus películas.

Es por ello, que en esta entrada del blog, hablaremos del color y su uso en el cine; sobre cómo lo utilizan los cineastas para crear determinados efectos y sobre cómo logra generar unas emociones u otras.

El ciclo del color

El color, es una herramienta que sirve para lograr que las historias transmitan un mensaje o sensación en específico. Por ello, de su buen uso, surge el poder y la belleza estética de las imágenes que vemos en el cine.

Con tal motivo, se utiliza el “círculo cromático”, con el que es posible establecer criterios para determinar los colores que aparecerán en pantalla.

El circulo cromático en su versión simplificada, tiene 12 colores basados en los colores amarillo, rojo y azul (aunque existen otros modelos cromáticos), que forman parte del modelo tradicional de coloración. A continuación te compartimos algunos de los esquemas más utilizados:

01_Complementario

Es el esquema más empleado. Consiste en elegir los colores que se ven opuestos en el círculo cromático y que por lo tanto se complementan.

02_ Combinado

Este esquema, en lugar de buscar un solo color complementario, busca dos. Con él es posible mantener el contraste pero de una forma más discreta.

03_Análogo

Los colores análogos son los que se encuentran cerca dentro del círculo cromático. Con esta combinación se logra mayor armonía, siempre que sean cálidos o fríos. Este esquema funciona para los exteriores.

04_Triádico

Se utilizan tres colores que se encuentran espaciados de forma equitativa dentro del círculo cromático. Uno de ellos predomina sobre los otros dos, los cuales tienen como función resaltar al color principal.

05_Tetrádico

Este esquema funciona con cuatro colores espaciados de forma equitativa y crea la sensación de armonía extrema.

Si te interesa ver más ejemplos de esquemas de color en escenas de películas, te invitamos a visitar http://moviesincolor.com/, donde  la diseñadora Roxy Radulescu, ha ido recopilando cientos de ejemplos.

Los coloristas

Normalmente vemos la labor de actuación en una película, como el aspecto más importante de esta. Sin embargo, intervienen muchas áreas en su producción como el maquillaje, los efectos especiales, el sonido y por supuesto, el color.

Los encargados de éste último punto son los coloristas, los cuales, se encargan de ajustar los tonos en la producción de una película. Un trabajo que consiste mucho más en crear atmósferas que simplemente en crear entornos bonitos.

La corrección de color es un arte que, desde la creciente evolución del medio digital, ha ido ganando cada vez más importancia, tanto en el cine de alto presupuesto, como en las producciones más modestas e incluso la televisión.

En su nivel más básico, los coloristas (a veces también llamados etalonadores) mantienen la uniformidad cromática escena por escena. Sin embargo, son capaces de manipular los sentimientos que nos transmiten las escenas. En el siguiente video, podrás ver más de esta relación entre los colores y las emociones que transmiten.

El color y la mente

¿Y por qué estos colores representan estas ideas? ¿Por qué somos capaces de percibir esas emociones descritas en función del registro de tonos que los coloristas han elegido para nosotros? Simple… nuestra biología.

El color ha evolucionado junto con nosotros. Gracias a él obtenemos información que genera una respuesta evolutiva; de esta manera sabemos si alguien está enfermo porque se pone de color amarillo, que está enfadado por el tono rojo o que ciertas frutas no están maduras porque están verdes.

Sin embargo, también es cierto que a lo largo de los milenios, hemos manipulado los pigmentos para representar connotaciones culturales. De esta manera, la relación de conceptos que hacemos con los colores tiene que ver también con nuestra cultura y nuestras convenciones.

Marketing emocional

Tal vez el área en el que más se aplique la psicología del color es en marketing. Es habitual creer que las decisiones que tomamos a la hora de comprar se basan en un análisis racional, pero, en muchas ocasiones, nuestra emociones son las que deciden por nosotros. ¿y es que quien no quisiera tener un deportivo rojo?
Ni todo es cultura, ni todo es genética.

Como ya hemos dicho, el color juega un aspecto fundamental en nuestra manera de entender el mundo y relacionarlos con los demás. Su percepción se forma de una interacción entre nuestros componentes biológicos y culturales.

De esta manera su significado varía en cada punto del planeta. Por ejemplo, todas aquellas obras que no estén sujetas al prisma occidental, cómo las películas de china, en donde el rojo, el dorado y el blanco significan cosas muy diferentes.

Podemos concluir entonces, que la cantidad de opciones y la intención de jugar con los sentimientos de los espectadores en el cine es, sin duda, un tema que deberíamos siempre tener en cuenta a la hora de analizar las películas.

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¿Habías notado el uso del color de esta manera en las películas?, ¿Tus películas favoritas cuidan este detalle?

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¡Saludos!

El espacio negativo es, como se pueden imaginar, difícil de definir. Y no, no estamos hablando de algún concepto de ciencia ficción, si no de aprovechar todos los recursos, incluidos lo que no están presentes.

Al diseñar, se utilizan diversas técnicas para crear materiales gráficos que hipnoticen a los espectadores. El uso del espacio negativo genera una ventaja adicional de atracción y sofisticación.

``Tienes que honrar el fracaso, porque el fracaso es solo el espacio negativo en torno al éxito`` - Richard R. Nelson

Sin embargo hay muchos logotipos, posters y anuncios creados con esta técnica, pues permite enviar un mensaje a la audiencia de una manera tan sutil, que detectarlo provoca siempre una sonrisa.

De tal forma que su incorrecta aplicación, provoca que el espectador se de cuenta de inmediato y le genere desagrado. Por ello, en esta entrada del blog, hablaremos de qué es el espacio negativo y cómo afecta la apariencia de las cosas, ya sea en el Diseño gráfico o incluso en el arte.

El límite de la forma

Definir el espacio negativo es complicado, pues no se trata de un vacío al rededor de los objetos. Más bien, podría decirse que un espacio para “respirar” alrededor de un sujeto central, pero que afecta su apariencia.

Es una sinergia entre el espacio abierto o vacío alrededor y el objeto, de tal forma que le genere su propia definición. Y es qué… ¿Cómo puedes saber la verdadera forma de un objeto si no puedes descubrir sus límites?

En el Diseño, se usa el espacio negativo para crear una ilusión de alguna figura, sin crear la figura directamente. Ésta emerge con la ayuda de otros objetos circundantes en el diseño. Esta sutileza es parte de su belleza, pues el espectador está encantado de descubrir algo oculto dentro del diseño.

En-marcando la diferencia

Una vez comprendido su concepto general, es posible comenzar a jugar con él para aprovechar sus ventajas. El espacio negativo correctamente utilizado, puede marcar la diferencia en un diseño.

Los espectadores siempre apreciarán un diseño con buen uso de espacio en blanco, sobre los diseños saturados. Por ello, equilibrarlo en un diseño, facilita la vista del mismo. De esta forma, aunque parezcan sencillos, construir un diseño así es todo un esfuerzo de talento, inteligencia y a veces buen humor.

De esta manera, una vez que los espectadores entienden los mensajes o imágenes sutilmente ocultos en el diseño, se sienten incluidos. Por ello es que el uso del espacio negativo, es especialmente efectivo al diseñar logotipos.

Todo en uno

Este es uno de mis ejemplos favoritos, pues en una misma pieza se juega con el nombre, se describe el servicio y resulta elegante. Una gran muestra de lo que el espacio negativo es capaz de lograr
El espacio negativo y el texto

El espacio negativo no solo se usa en composición, pues incluso es un elemento vital al momento de escribir. A este espacio se le llama interlineado.

Sin el interlineado, sería casi imposible leer un texto, pues incluso el orden de los párrafos estaría alterado. Y aunque suene un poco obvio, basta ver en folletos, brochures e incluso revistas, la cantidad de veces que la falta (o a veces sobra) de espacio afectan su lectura.

Pero también es parte de su diseño, pues la relación entre texto y espacio, genera una especie de “textura” de la que podemos sacar partido a nivel estético. Esto es fácilmente comprobable en un sitio web, pues un buena legibilidad es vital para retener la atención del visitante y para ayudarle a encontrar la información que busca.

El texto como textura

Una vez atreviéndose a romper esquemas, jugar con el espacio negativo y el texto, puede generar un resultado muy llamativo.
“Menos es más… lujoso”

En cualquier tienda de lujo es fácil observar, que en muchas ocasiones, los productos más lujosos, tienden a ser minimalistas (por ejemplo los productos de Apple). Esta idea puede ser aplicada a otros medios, para lograr el mismo efecto.

En un sitio web por ejemplo, incrementando el espacio negativo entre los elementos, se puede generar la sensación de clase e importancia, aunque el contenido sea muy genérico. De lo contrario, saturando el espacio con anuncios, precios y descripciones, se provoca la sensación de ser una página desordenada rogando por atención, en lugar de un sitio de calidad.

Vendiendo plantas al más alto nivel.

Equilibrando los colores, las formas, tamaños y conservando el espacio negativo, es posible volver un negocio local en uno de clase élite.
¿Espacio negativo o espacio en blanco?

El espacio negativo es un elemento importante del Diseño. Sin él, las composiciones probablemente serían un desastre, pues carecerán de definición y enfoque.

Su correcto uso, es un acto de equilibrio destinado a unificar un diseño y atraer los ojos de un espectador a los detalles y sutilezas.

¡Atrévete a hacer las cosas diferente!, Juega con el espacio negativo en tus bocetos e ideas y nota como llama la atención de tus espectadores.

No tiene que ser flat

Interactuando con las formas es posible encontrar otras ocultas entre los limites de estas. Sólo falta imaginación y la voluntad de ir ``más allá``

Sorprende a tu audiencia con el uso de espacio negativo en tu sitio web y logotipo para que se vean más completos e interesantes. Nosotros te ayudamos a lograrlo con nuestros servicios de Branding y Diseño Web. Ideales para empresas y Startups que quieren hacer la diferencia. ¡Conócenos!

¿Conocen mas logotipos de marcas que usen el espacio negativo?, ¿Recuerdan las campañas de Absolut con el uso de esta técnica?

No olviden dejar sus comentarios.

¡Saludos!

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